MARÍA BETHANIA – «ABRAZAR Y AGRADECER»
Era 13 de febrero de 1965. Llovía mucho en la ciudad de Rio de Janeiro. Aquella noche estrenaba en el Teatro Opinião, en Copacabana, una nueva cantante, una “menina” de 17 años, venida del interior de Bahía, por recomendación de Nara Leão, para substituirla en el espectáculo “Opinião”. Su nombre: Maria Bethânia.
La dirección del show era de Augusto Boal y los creadores del espectáculo, Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha), Ferreira Gullar, Paulo Pontes y Armando Costa. En el escenario, Zé Keti y João do Vale compartían la escena con ella, que, a partir de aquel instante, marcaria para siempre el panorama musical brasileño. Con su voz única y presencia distintiva, entonando “Carcará”, su canto atravesó medio siglo y sobrevuela hasta hoy los cielos de Brasil.
Cincuenta años más tarde todavía oímos y compartimos su grito de guerra y amor, su creación incesante, su búsqueda ininterrumpida como artista y como una de las mayores y más productivas intérpretes que el Brasil ya tuvo.
Conmemorando 50 años de carrera, Bethânia presenta su nuevo espectáculo Abraçar e Agradecer, con dirección, escenografía e iluminación de Bia Lessa – que la acompaña como directora en sus últimos espectáculos como Carta de Amor, Amor Festa e Devoção y Dentro do Mar tem Rio – y la coordinación y producción musical de Guto Graça Mello, productor responsable de álbums sobresalientes en su carrera como Ciclo (1983) y As Canções que você fez pra mim (1993).
“La escenografía y la luz, en este show, son una sola cosa. La iluminación hace, muchas veces, el papel de la escenografía, creando ambientes e imágenes”, explica Bia Lessa. La iluminación está a cargo de Binho Schaefer, en colaboración con la directora, creando, con una escenografía de LED en una pequeña rampa, “el piso, la geografía, el camino por donde Bethânia camina”, completa Bia.
El show se estrenó en Rio de Janeiro el día 10 de enero de 2016 en el Vivo Rio, con cinco presentaciones y localidades agotadas, y así ha sido en las ciudades por donde ya pasó: Brasilia, São Paulo, Porto Alegre, Curitiba, Belo Horizonte, Salvador, Recife y también en Portugal (Lisboa e Porto).
La banda que a acompaña tiene a Jorge Helder (dirección y contrabajo), Túlio Mourão (piano), Paulo Dafilim (guitarras), Pedro Franco (bandolim y guitarras), Marcio Mallard (cello), Carlos César (batería) y Marcelo Costa (percusión).
Bethânia canta canciones de todos los tiempos, inéditas o no en su voz, canciones compuestas especialmente para ella en esta conmemoración de sus 50 años por Paulo Cesar Pinheiro y Dori Caymmi (“Viver na Fazenda” y “Voz de Mágoa”) y recita textos de Wally Salomão, Clarice Lispector y Carmem Oliveira, además de presentar compositores nuevos y una versión inédita hecha especialmente para ella por Nelson Motta, “Eu Te Desejo Amor” (Charles Trenet). No quedan afuera canciones del repertorio do su último CD “Meus Quintais”, como “Dindi” (Tom Jobim y Aloysio de Oliveira), “Xavante” (Chico César) y “Casa de Caboclo” (Paulo Dafilim y Roque Ferreira), además de canciones inolvidables de compositores que marcaron su carrera como su hermano Caetano Veloso, Chico Buarque, Caymmi, Gonzaguinha, Roque Ferreira y Paulo César Pinheiro.
Si 2014 fue un año prodigioso – en que lanzó el CD “Meus Quintais” y el documental “(o vento lá fora)”, con lecturas de poemas de Fernando Pessoa al lado de la profesora Cleonice Berardinelli – el año de 2015 estuvo lleno de fiestas y homenajes. Además de conmemorar sus 50 anos de carrera con esta gira, Bethânia fue homenajeada con el Premio de la Música Brasileira en el Teatro Municipal de Rio de Janeiro, con dirección de José Maurício Machline, y en la Feria de São Cristóvão/RJ en junio. Al mes siguiente se inauguró una exposición con más de una centena de artistas plásticos con obras inspiradas en ella, “Maria de Todos Nós”, que se desarrolló en el Paço Imperial/RJ hasta el 13 de septiembre, y lanzó el cuaderno de poesía de la lectura “Bethânia e as Palavras” a través de la UFMG, con diseño de Gringo Cardia, y DVD de esta lectura.
Y los homenajes continuaron en 2016: Bethânia fue homenajeada por la Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira con el enredo “Maria Bethânia, a Menina dos Olhos de Oyá”.
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ADRIÁN PAOLETTI – «ME GUSTABA MAS CUANDO ME QUERIAS»
Nuevo disco del trovador sureño que desde el Indie busca meterse y honrar el género de la canción rock, esta vez con toques folkies melancólicos y un interesante acompañamiento para lograr concebir gemas con el paisaje del GBA metido debajo de la piel.
El disco comienza con «Me gustabas más cuando me querías» donde Paoletti cuenta una desazón romántica, bien acompañado por la voz de Mailen Gayoso, el piano de Yul Acri y un muy buen arreglo de cuerdas que le da un toque acústico y orgánico al disco. Además de un trabajo sin fisuras de Daniel Borrelli Azara en bajo y Nahuel Seranián en batería, que acompañan siempre a Paoletti.
«Inestable» es un medio tempo donde Paoletti cruza su guitarra con la del ex Suarez Gonzalo Córdoba y la activa participación de Gayoso acompañando y armando un dueto con el cantautor de Monte Grande, embellece aún más la melodía.
La melancolía cubre también a «Toman formas» con la guitarra eléctrica suave, trazando arabescos, con las cuerdas acompañando y oscureciendo el clima. Una flauta de bambú, un Arpa sintetizada le dan airecitos folkies a la hermosa balada «El libro de las hojas» donde la voz principal la lleva Luisa Roig Vibart, una cantante de Lanús y con esos elementos Palotetti hace alquimia y aparecen los espíritus de Donovan y Nick Drake.
Uno de los nuevos cantautores de la zona sur del Conurbano, Alejandro Schuster, líder de Viva Elástico, aporta su voz en «Números romanos» que sigue un tono melancólico que recuerda al lado triste de los Smiths, con el aporte de en guitarras de Córdoba. El folk a la británica regresa en «Tanta luz» con la guitarras de Córdoba, los arreglos de teclados de Yul Acri y las voces de Paoletti y Gayoso dándole un toque intimo, natural, de bosque encantado a la canción.
En «Del otro lado de la lluvia», Paoletti recupera su espíritu rockero y arma una melodía aniñada, casi una lullaby juguetona acompañado en la voz por María Fernanda Aldana, de El Otro Yo, mientras la guitarra de Córdoba es pura esencia indie, con un toquecito folkie con la flauta de bambú y los teclados metiendo arreglos espaciales al final.
«Caminos transparentes» es brit rock espacial con los arreglos de los sintetizadores y el arpa digital, un riff a los Kinks de las guitarras y el estribillo bien trabajado por Paoletti y su banda. Esa línea rockera se mantiene en «Dimensión obsesión» a caballo de un pegadizo riff de guitarra y un coqueteo provocativo desde las letra.
El disco cierra con el otoñal arreglo acústico de «Un amor sin corazón», las voces cruzadas en Palotetti, Gori, Mailen Gayoso y Nahuel Seranian, mientras el líder de Fantasmagoria mete una acústica bien folk-rock con percusión organica para un romance mientras las hojas caen, la temperatura va bajando y el sol de esconde. Hacia la mitad Gori enchufa la viola, distorsiona y riffea para insuflarle sacudones a la canción y mayor optimismo.
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EL BUEN SALVAJE – «MULTITUD AL ACECHO»
Nuevo disco de combo de rock duro alternativo, integrante de la nueva escena del heavy local conformado por Martín Carriquiry en voz, Tomás Vigo y Amadeo Beltrán en guitarras, Lucas Vigo en batería y Guillermo Bernardo en bajo.
El disco abre con la riffera «Absorción» con una base maciza que se despliega sobre toda la canción y una letra con tono existencialista. Esa línea continua en «Pecado verbal» que cabalga con un buen riff y en la que la banda elige como destinatario de su predica a aquellos dirigentes mentirosos y falsos.
En «Siempre el canil» la banda toma un camino más veloz, machacante, mientras la letra pone en duda las democracias aparentes, los gobiernos meramente formales, sin poder real. En «Derecha de rey» las guitarras toman mayor densidad para una canción en la que retratan a aquellos que son el poder detrás de quienes gobiernan. «Un espectro entre los dientes» mantiene esa densidad pero un giro más oscuro, más dramático, con un buen groove de la base conformada por Guillermo Bernardo en bajo y Lucas Vigo en batería. «Cornucopia» tiene un buen arranque de las guitarras y se mezcla en aguas alternativas, mientras que en «El occiso esta servido», la banda apuesta a un clima más enérgico y veloz. «A un prócer» tiene un arranque acústico, bien de balada, para luego ganar en fuerza en una larga intro instrumental. «Jardín Ultravioleta» recupera la fuerza del Buen Salvaje y su espíritu indomable y rockero.
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DESINTEGRACIÓN – «PULSO MERCURIO»
Segundo disco de este cuarteto compuesto por por Pichón López en voz y programación, Tiago Cerra en guitarra, Emiliano Longueira en bajo y Javier García Moreno en batería, que cultiva el electro rock, con interesantes entramados instrumentales, letras sensuales, seductoras y un sonido bien actual.
En el disco pueden percibir las influencias de lo mejor del electro argentino como Los Encargados, Daniel Melero, Los Látigos y Adicta, pero también elementos de Virus como la sensualidad y los jugueteos eróticos en las letras.
El disco arranca con el poder rockero de «Camaleónica» bailable, cachonda, bien cubierta de teclados a los que se suma una base con un buen groove. En «Ficción» aparece la influencia de Virus con una canción medio tempo con un buen estribillo y un buen trabajo de la base.
La sensualidad toma el control del disco en «La fiebre que nos condena» un suave funky-pop con mucha carga sexual en la letra con un buen trabajo instrumental y la aparición de un saxo sensual que recuerda al de Andy Mackay de Roxy Music, como también al Gonzo Palacios en los grandes discos de la nueva camada rockera argentina de los 80.
«Salvaje» es un funky provocativo y juguetón con climas nocturnos, mientras que «Escapar» logra la densidad de Depeche Mode en sus momentos más oscuros que a los que luego se les suma la distorsión de una guitarra.
«Aléjate» recuerda al hit de los 80 «Hombre lobo en Paris» de los españoles de La Unión, mientras que «En profundidad retoma la línea rockera bien al frente, con otro clima cachondo. El disco se cierra con «Cartas» que tiene más aires industriales, crudos y cargados de graves.