Los premios Oscar llevan casi 100 años entre nosotros, celebrando un medio que nació a finales del siglo XIX, se convirtió en la forma de arte del momento del siglo XX y continúa floreciendo en el siglo XXI. Al entrar en el nuevo milenio, todos nos preguntábamos cómo cambiaría y evolucionaría el cine, y si la ceremonia que entregaba el “mayor honor de Hollywood” cada primavera también cambiaría.
La respuesta es… sí. Y no. Y a veces, un poco. Y, como en tantas ediciones del siglo pasado: ¡¿Qué demonios, Oscars?! Hemos vuelto a ver todas las películas ganadoras del Oscar a Mejor Película desde el año 2000, y el resultado ha sido revelador. Algunas películas han envejecido mal, otras han resistido sorprendentemente el paso del tiempo, algunas nos han recordado que cuando los Oscars aciertan, pueden acertar de verdad , y algunas películas estarán condenadas para siempre a ser Crash. Nuestra lista, de peor a mejor.
25. ‘Crash’ (2005)
Todavía es alucinante pensar que la conferencia de dos horas de Paul Haggis sobre el racismo (malo), la disparidad de clases (también mala) y cómo dejamos que nuestras muchas diferencias nos dividan cuando en realidad somos las mismas personas rotas debajo de todo (¡¿ por qué no podemos simplemente llevarnos bien todos?!? ) obtuvo media docena de nominaciones al Premio de la Academia, y mucho menos ganó “el mayor honor de Hollywood”. Sabemos que lo único que los residentes de esta ciudad industrial aman más que la autocomplacencia es el autodesprecio específico de los angelinos, pero aún así no explica del todo los elogios que este drama coral recibió en la noche de los Oscar. Desde el momento en que Don Cheadle dice que la gente extraña el toque humano “que chocamos unos con otros… solo para poder sentir algo”, sabes que te espera un viaje difícil. A partir de ahí, la cosa solo empeora, pues cada personaje empieza a hablar con viñetas, el simbolismo oscila entre torpe y superficial, y un elenco de primera categoría se ve obligado a interpretar caricaturas de policías corruptos, ladrones de coches habladores y Karens vergonzosas. Lo que podría haber sido un intento de tomarle la temperatura al país durante la aún volátil era posterior al 11-S simplemente se interpretó como algo insensible y sordo, y sus acusaciones y falsas redenciones resultan aún más vergonzosas ahora. Tenemos la sensación de que si volviéramos a revisar esta lista en el año 2050, Crash seguiría ocupando el mismo lugar.
24. ‘Green Book’ (2018)
Otro año, otra victoria del Oscar otorgada a una visión simplista y complaciente del problema racial actual de nuestra nación, resuelto por el poder curativo de la amistad. Cada generación puede tener el Driving Miss Daisy que se merece, pero incluso el año de carnicería estadounidense que fue 2018 puede no haber merecido la comedia dramática de amigos basada en una historia real del director Peter Farrelly. El compositor y pianista Dr. Don Shirley (Mahershala Ali, que proporciona el único factor redentor de la película) contrata a Anthony “Tony Lip” Vallelonga (Viggo Mortenson) como conductor durante una gira por el sur profundo en 1962. Los dos no podrían ser más diferentes en cuanto a personalidades, pero pronto se conectan durante este viaje por carretera que cambia las reglas del juego, la intolerancia de toda la vida de un hombre se cura milagrosamente, bla, bla, bla. Puedes quejarte de la perspectiva sesgada del guion, coescrito por Nick Vallelonga, hijo de Anthony, o de cómo estos talentosos actores se ven constantemente socavados por la torpe narrativa, o de cómo la vida de Shirley como hombre gay se trata como una conveniencia argumental cuando es necesaria y se ignora cuando no lo es. En cuanto a la famosa escena del pollo frito, bueno, simplemente nos faltan las palabras. De alguna manera, en tan solo dos horas, sentimos como si todos hubiéramos retrocedido medio siglo.
23. ‘Una mente maravillosa’ (2001)
Hay películas biográficas —la más confiable de las categorías cinematográficas que buscan el Oscar— que buscan abrumarte con tragedia, triunfo y una abundancia de melaza… y luego está el drama de Ron Howard sobre la vida y obra de John Nash, el matemático ganador del Premio Nobel que luchó contra una enfermedad mental a lo largo de su carrera. No se trata solo de cómo este drama basado en una historia real trabaja sin pudor la idea de la genialidad superpuesta con la locura, blanquea la historia personal y las cualidades poco agradables de Nash con un brillo de alabastro brillante, o reduce descaradamente a un hombre complejo al equivalente académico de un santo tonto. También mete con calzador al poderoso Russell Crowe, recién salido de su victoria en Gladiador , en un papel que parece más una ingeniería inversa para ganarle el oro consecutivo que para encarnar a un personaje completamente dimensional. Cabe destacar que no nos molesta que Jennifer Connelly gane el premio a Mejor Actriz de Reparto, dado el apoyo literal que le brinda a esta destartalada adaptación de la biografía de Sylvia Nasar. Sin embargo, todo lo demás de la película nos sigue causando indignación dos décadas después.
22. ‘El discurso del rey’ (2010)
Mucho antes de que The Crown convirtiera las tribulaciones de la monarquía inglesa del siglo XX en un melodrama cautivador, Tom Hooper recreaba el momento histórico en el que el rey Jorge VI informó a Inglaterra por radio que estaban de nuevo en guerra con Alemania. Más específicamente, trata sobre lo que condujo a ese punto álgido oratorio, ya que Su Majestad (Colin Firth) llevaba mucho tiempo lidiando con su tartamudez y consideraba que hablar en público era un destino peor que la muerte. Entra Lionel Logue (Geoffrey Rush), un logopeda que ayudará en privado al rey Jorge a superarlo con un poco de coraje y un montón de palabrotas. Es una combinación de comedia empalagosa entre colegas, una película sentimental y conmovedora, y el tipo de entretenimiento agresivamente de clase media con un acento elegante que antaño abarrotaba los cines de arte y ensayo. No tengo nada en contra de Firth, quien trata la dificultad para tartamudear del regente con sensibilidad, aunque aquí mantiene la compostura, pero este es precisamente el tipo de drama zalamero que parece diseñado a la inversa para recibir premios por encima de cualquier otra cosa. Hay una palabra para eso, y rima con Schmoscarbait.
21. ‘CODA’ (2021)
Los Premios de la Academia adoran las narrativas de pequeñas películas que podrían serlo, lo que sin duda caracteriza el drama de Sian Heder sobre una joven (Emilia Jones) de una familia de pescadores de clase trabajadora —hija de adultos sordos— que anhela liberarse de su entorno y convertirse en una cantante de talla mundial. Causó un gran revuelo en el festival virtual Sundance de ese año y Apple se hizo con la cifra récord de 25 millones de dólares. Este clásico ejemplo de cine independiente, ideal para quienes buscan comodidad, consiguió hacerse con el pequeño calvo dorado, casi a pesar de la tibia campaña de FYC por parte de sus dueños. Fue el boca a boca tradicional, junto con unas buenas vibras, lo que convenció a los votantes. Por no mencionar que marcó un hito en la representación cinematográfica de personajes y actores con discapacidad auditiva. Entonces, ¿por qué este premio a Mejor Película sigue pareciendo tan vacío e irritantemente seguro? Esta es la clase de película que triunfa sobre los desvalidos, inspiradora y agotadora a la vez, tan ansiosa por conmoverte por todos los medios. Resulta demasiado convencional. Todavía nos sorprende que tanta gente le aplique el adjetivo “mejor” en cualquier sentido de la palabra.
20. ‘Argo’ (2012)
El año es 1980, la Crisis de los Rehenes de Irán lleva más de dos meses en marcha, y el especialista en extracciones de la CIA, Tony Méndez, está perdido. Le han encomendado la tarea de sacar del país lo antes posible a seis miembros de la embajada de Estados Unidos en Teherán, quienes evitaron ser capturados escondiéndose en la casa del embajador canadiense. Entonces a Méndez se le ocurre una idea: fingir que son un equipo de filmación que busca locaciones y luego llevarlos de regreso a Estados Unidos. Ahora solo necesita convencer a todos de que están haciendo una película falsa como tapadera. Puedes entender por qué esta historia más extraña que la ficción podría ser atractiva para Ben Affleck, quien llevaba dos películas en una prometedora carrera como director (Gone Baby Gone es genial, y nos gustan todas las escenas de The Town que no involucran a Affleck filmándose a sí mismo haciendo dominadas). Esta mezcla de thriller político de los 70 y bromas del mundo del espectáculo nunca termina de cuajar, y ni siquiera un grupo realmente amplio de grandes actores —John Goodman, Alan Arkin, Bryan Cranston, Titus Welliver, Kerry Bishé, Kyle Chandler, Victor Garber, Clea DuVall, Scoot McNairy, Philip Baker Hall— puede vender frases como: “¿Te preocupa el Ayatolá? ¡Prueba con el Sindicato de Actores!”. ¡Qué asco! Por cada indirecta a las mentiras, los engaños, los robos y las puñaladas por la espalda que caracterizan al negocio que llamamos espectáculo, hay el doble de palmaditas en la espalda, ¡qué gran Hollywood! ¡Claro que a los votantes les encantó!
19. ‘El artista’ (2011)
Nos gusta imaginar que alguien le dijo a Michael Hazanavicius que las películas, “¡ya no se hacen como antes!”, y entonces el guionista y director francés exclamó: “¡Vaya! ¡Te voy a demostrar que te equivocas!”. Cuando este elaborado homenaje a la adolescencia del cine se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en la primavera de 2011, la gente aplaudió cortésmente lo que parecía un agradable experimento formalista. Luego, a cierto productor de Hollywood (cuyo nombre guardaremos en el anonimato por razones obvias) se le pusieron los ojos de oro y, de alguna manera, logró vender una auténtica película muda en blanco y negro al público y a los votantes que pagaban por ella. Siendo justos, tanto Jean Dujardin como Bérénice Bejo tienen el tipo de rostros perfectos para una comedia presonora, y su resurrección de viejos momentos cómicos y rutinas de paseos ocasionalmente evoca la magia cinematográfica de antaño. Un colega también señaló que esta película estaba a un “sí” hablado de ser la primera película en lengua extranjera en ganar también el premio a la Mejor Película. Y aun así, The Artist sigue siendo una cursi mirada al pasado que deja un regusto azucarado, y es el tipo de nimiedad momentáneamente deliciosa que se borra de la memoria segundos después de verla. De hecho, nos habíamos olvidado de la película, y mucho menos de que ganó un Óscar, hasta que la buscamos para esta lista.
18. ‘Million Dollar Baby’ (2004)
La ingeniosa mezcla de Clint Eastwood de dos clásicos infalibles —el drama de boxeo a distancia y la película lacrimógena sobre una enfermedad terminal— nos hizo preguntarnos: ¿En qué año estamos? La clásica mezcla de géneros hollywoodenses del actor y director quizá haya sustituido a una boxeadora en el ring (y le haya dado a Hilary Swank el segundo mejor papel hasta la fecha). Sin embargo, esto parecía un flashback de la Edad de Oro en el mejor sentido posible, sobre todo teniendo en cuenta que el cineasta tenía la edad suficiente para haber sido un actor contratado por un estudio. La segunda mitad no es tan potente como la primera: una vez que la película cambia de historia deportiva a una historia de eutanasia, los problemas paternos y el sentimentalismo empiezan a empantanarse un poco. Aun así, Eastwood, Swank y su antiguo compañero en Los imperdonables, Morgan Freeman, saben exactamente cómo mantener una narrativa que debería ser chirriante y atontada con gran agilidad.
17. ‘Slumdog Millionaire’ (2008)
Quizás hayas olvidado lo increíblemente popular que fue “¿Quién quiere ser millonario?” en los primeros años de la década del 2000, y por qué probablemente fue una forma fácil de iniciarse en la historia de Cenicienta de Danny Boyle sobre un chaiwallah llamado Jamal (Dev Patel) que termina ganando un montón en la versión india del concurso. Su racha despierta las sospechas de un policía (el difunto y gran Irrfan Khan), quien cree que el joven ha estado haciendo trampa; Jamal relata entonces cómo supo cada respuesta a través de una historia de vida llena de pobreza extrema, ataques antimusulmanes, explotación, crimen, amistad y traición. Ah, y también hay una profunda conexión romántica con su amor de la infancia, Latika (Freida Pinto). La insistencia de Boyle en inyectar 10 cc de adrenalina en cada escena y giro de la trama a veces resulta agotadora, y las acusaciones de que esta adaptación de la novela Q&A de Vikar Swarup era simplemente turismo cultural de alto octanaje no eran del todo infundadas. Nada de esto impidió que la película fuera un gran éxito de crítica y taquilla, ni que cautivara a los votantes: se alzó con ocho premios Óscar, incluyendo Mejor Película. Lo que más impacta, más que el estilo llamativo, es la actuación de Patel; su papel revelación ya sugiere que es un actor preparado para el futuro papel protagonista.
16. ‘Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)’ (2014)
Aquí hay una lista parcial de las cosas con las que el retrato de Alejandro González Iñárritu de un artista en caída libre existencial cuestiona: las películas de superhéroes, los éxitos de taquilla en general, los proyectos de vanidad de Broadway, los actores narcisistas de Nueva York, las redes sociales, la obsesión mediática en torno a la fama, el New York Times, los críticos, los críticos del New York Times y la dolorosa experiencia de ser un ser humano bendecido y maldecido con un ego. Más que cualquier otra película en esta lista, Birdman es posiblemente la que peor ha envejecido, aunque aún se pueden apreciar muchos destellos de brillantez (notablemente en la habilidad del director de fotografía Emmanuel “Chivo” Lubezki para hacer que parezca una sola toma continua) en su pretenciosidad. De hecho, su brillantez y su pretenciosidad se alimentan activamente entre sí, enfrascados en una conversación de la misma manera que la estrella de cine de Michael Keaton y su alter ego de cómic luchan en su cráneo. El aspecto meta del hombre que una vez interpretó a Batman profundizando en este papel permanece intacto, incluso si Iñárritu dice que no fue por eso que lo contrató ; en cuanto al arrogante imbécil del Método Edward Norton, el director admitió que está “basado en varias personas reales… incluido Edward Norton”.
15. ‘Chicago’ (2002)
El estridente éxito de Broadway de Bob Fosse sobre sexo, violencia y todo lo que tiene que ver con el jazz recibe una adaptación cinematográfica igualmente deslumbrante, y la combinación de espectáculo clásico, números musicales al estilo del viejo Hollywood y la clásica escena devoradora de escenarios resultaría ser pura hierba gatera para los votantes del Oscar. Renée Zellweger se pone los zapatos de baile que antes ocupaban la santa trinidad de Gwen Verdon, Liza Minnelli y Ann Reinking para interpretar a Roxie Hart, una asesina tímida que entra en la cárcel por un homicidio y sale convertida en estrella. Su rival convertida en cómplice es Velma Kelly, un papel que le permitió a Catherine Zeta-Jones lucir una excelente Lulu Brooks y ganar un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto, en ese orden. Con 13 nominaciones y seis victorias, la película del director Rob Marshall fue el primer musical en ganar el Oscar a la Mejor Película desde Oliver! En 1968. Puede que sea un poco ambiguo (aún no sabemos qué opinamos de la interpretación de Richard Gere del abogado Billy Fish), pero los momentos más destacados —el sensacional “Cell Block Tango”, que sigue siendo un ejemplo de cómo usar la edición, la composición y la coreografía para hacer pop a una canción bailable; “Mr. Cellophane”, con su patetismo, de John C. Reilly— siguen siendo impactantes. Y no es que las pullas satíricas sobre crímenes reales y la cultura de las celebridades hayan perdido fuerza.
14. ‘El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey’ (2003)
No vamos a decir que la última entrega de la trilogía de Peter Jackson no tuviera cierta ventaja, ya que los votantes no premiaron solo una película; no le quita mérito a su victoria decir que El Retorno del Rey se benefició de cerrar lo que fue, sin duda, un logro revolucionario. En otras palabras, el Óscar iba a ser para El Señor de los Anillos en su conjunto, no para un tercio. Sin embargo, eso requeriría que el último capítulo se mantuviera firme, como sin duda lo hace esta epopeya. Hay una gloriosa sensación de círculo completo al despedirse de estos personajes (varias despedidas, en realidad; la pulla sobre la película con media docena de clímax es graciosa porque es cierta), y ver cómo la búsqueda para liberar a la Tierra Media de la joya más contaminada del mundo, es decir, mi tesoro, finalmente llega a una conclusión satisfactoria. Esta fue realmente la película que promovió la idea de las franquicias modernas de creación de mundos como algo aspiracional, demostrando que se podía crear una serie de propiedad intelectual taquillera, prestigiosa y mundialmente popular. (Recuerden: Star Wars estaba en la rutina de su segunda trilogía, y aún faltaban cinco años para El Caballero Oscuro). Ni siquiera el propio Jackson pudo repetir el triplete —olvidémonos de las películas del Hobbit , ¿no?—, pero si bien esta no es la “mejor” película del siglo XXI, podría ser la que mejor predice el futuro de este género artístico.
13. ‘La forma del agua’ (2017)
En la que Guillermo del Toro te ofrece el romance entre chico y chica que no sabías que necesitabas. Esta ganadora del Oscar tomó una premisa que podría haber parecido escandalosa a primera vista —¿y si La criatura de la laguna negra fuera en realidad una historia de amor consensuada?— y de alguna manera la hizo parecer la cosa más tierna y totalmente natural del mundo. Como gran parte de la obra del cineasta, la historia de una señora de la limpieza muda llamada Elisa (Sally Hawkins) y la criatura anfibia (Doug Jones) que captura su corazón combina a la perfección lo mágico y lo macabro, incluso cuando la película coloca su comentario anticonformista al frente y al centro. Está repleta de cinefilia, haciendo referencia no solo a películas de monstruos de la época de la Guerra Fría, sino también a musicales, clásicos de Hitchcock, cine mudo y thrillers de espías. Pero del Toro no pretende hacer un museo de cera con pulso aquí. La película trata de superar las diferencias, y aunque Shape se ambienta en 1962, se estrenó en cines en un momento en el que la sociedad parecía estar a punto de dar un retroceso drástico. A esto le sumamos un reparto de reparto impecable (Richard Franklin, Octavia Spencer, Michael Shannon, Michael Stuhlberg) y un diseño de producción que es a partes iguales una película de serie B de autocine y un cuento de hadas de tono alto, y se entiende por qué incluso los estirados miembros de la Academia quedaron fascinados.
12. ‘Nomadland’ (2020)
La carretera siempre ha sido uno de los temas favoritos del cine estadounidense, pero la extraordinaria película ganadora del Óscar interpretada por Chloe Zhao se centra más en el camino interminable: una red de autopistas, áreas de descanso y campamentos habitados por quienes realmente priorizan el viaje sobre el destino. Frances McDormand es Fern, una viajera que vive en una furgoneta y que interactúa con auténticos “nómadas” modernos, viviendo una vida en perpetuo movimiento por decisión propia después de que todo se derrumbara. También se siente liberada, algo que el drama sin prejuicios de Zhao se esfuerza por enfatizar; lo mismo ocurre con la actuación de McDormand, que impulsa la historia incluso cuando la directora se detiene para contemplar el paisaje y dedicarle a los paisajes del país un amplio espacio en pantalla. Fue toda una experiencia ver a alguien recorrer la extensa campiña mientras se preocupaba por los brotes de COVID y los confinamientos intermitentes, lo que podría haber jugado a favor de la película a la hora de votar. En cualquier caso, es una verdadera obra de arte y un homenaje a los gloriosamente desarraigados entre nosotros.
11. ‘Gladiador’ (2000)
La primera ganadora del premio a Mejor Película del siglo XXI fue un regreso a un clásico del cine del siglo XX, la épica de espadas y sandalias, y que le jodan a Ridley Scott si no restauró la fe de los votantes en un género dado por muerto. Russell Crowe estaba en la cima de su etapa de estrella de cine cuando interpretó a Maximus Meridius, un general romano que es traicionado por el autoproclamado nuevo emperador de la ciudad, Cómodo (Joaquin Phoenix, en lo que parece un preludio para su alocado Napoleón) y termina luchando en la arena de gladiadores. Hay enfrentamientos sangrientos con lanzas, hachas de guerra, carros y tigres furiosos, y para responder a la pregunta retórica que Maximus hace: ¡Sí, nos entretuvimos ! Lo sorprendente es lo conmovida que también nos pareció la búsqueda de venganza del guerrero viudo, lo cual tiene mucho que ver con la melancólica interpretación de Crowe, un ídolo de matiné, y el equilibrio de Scott entre gran espectáculo y drama a gran escala. Los votantes probablemente la premiaron tanto por su nostalgia como por su escala y ambición. Aun así, ha envejecido sorprendentemente bien.
10. ‘Oppenheimer’ (2023)
Christopher Nolan apostó mucho para hacer esta película biográfica de tres horas sobre J. Robert Oppenheimer, el científico que ayudó a crear la bomba atómica y que más tarde se vio acosado por el gobierno estadounidense. Eso por sí solo podría haber sido difícil de vender a un estudio en la era de los superhéroes y los universos cinematográficos, pero en lugar de diluir su visión, el guionista y director redobló la apuesta: Habría líneas de tiempo que competían cronológicamente sesgadas, la mitad se rodaría en blanco y negro, y aunque tenía a la mitad de Hollywood en su reparto, el protagonista sería interpretado por un actor irlandés posiblemente mejor conocido, al menos por el público estadounidense, como el tipo de Peaky Blinders. ¡Hablamos de una apuesta que dio sus frutos! (Y eso fue antes de que se coronara oficialmente como la mitad de la dupla cinematográfica más improbable en la historia del cine). El extenso retrato de Nolan del Hombre que Podría Ser Destructor de Mundos se beneficia de una carga de profundidad de una actuación de Cillian Murphy y la determinación del cineasta de ir a lo grande o irse a casa; Rememora el tipo de épicas complejas y centradas en los personajes, desde Rojos hasta Elegidos para la gloria, que solían considerarse de facto carne de cañón para los Oscar. La gran declaración de Nolan es una de las pocas películas modernas ganadoras del premio a la Mejor Película que parecía haber sido una candidata del siglo XX.
9. ‘Anora’ (2024)
El típico encuentro casual entre chico y chica, donde el chico es el hijo inmensamente rico de un oligarca ruso y la chica, una bailarina exótica y acompañante de Brooklyn que acepta su improvisada propuesta de matrimonio. La película ganadora del Óscar de Sean Baker es una mezcla de Mujer Bonita y Diamantes en Bruto, con la trabajadora sexual de clase trabajadora interpretada por Mikey Madison, perdidamente enamorada de un joven rico y hedonista, y estableciéndose en una vida de mansiones y escapadas a Las Vegas. Entonces, un trío de chicos que trabajan para los padres del joven aparece para informarles que la fiesta ha terminado, y la película pisa a fondo el acelerador. Como en todas las películas del director de Florida Project, la atención a las estructuras de clase y a la vida al margen añade un toque de humor. Un éxito inmediato en Cannes, Anora comenzó a generar un fuerte apoyo desde el momento en que comenzó a proyectarse para los votantes del Óscar en otoño. Aun así, la comedia disparatada y llena de comentarios de Baker parecía inicialmente improbable para ganar la Mejor Película, aunque Madison parecía segura para la Mejor Actriz. El triunfo terminó convirtiendo esta historia ficticia de Cenicienta en una real.
8. ‘En tierra hostil’ (2009)
El impresionante viaje de Kathryn Bigelow junto con una desactivación de artefactos explosivos del ejército en Irak se siente menos como una “película de guerra” típica y más como un procedimiento de guerra, evitando los puntos de vista a favor o en contra de los artículos de opinión para centrarse en los detalles de cómo desactivar artefactos explosivos improvisados en zonas de combate activo. Se ha debatido cuán auténtica es la representación de la película de tales misiones , pero sigue siendo una película escalofriante, incluso sabiendo que el sargento de personal impredecible (Jeremy Renner, en su gran papel pre-Hawkeye) superará una serie de viñetas casi fatales. La adrenalina siempre ha sido la droga preferida de Bigelow, y su habilidad para aumentar constantemente la tensión mientras narra la gracia y el caos bajo presión es lo que hace que la película funcione. En tierra hostil siempre será un premio histórico a Mejor Película simplemente por el hecho de que se convirtió en la primera película dirigida por una cineasta en llevarse a casa el premio. Pero también es el tipo de trabajo disciplinado y arriesgado que uno desearía que la Academia recompensara mucho más a menudo.
7. ‘Todo, en todas partes, al mismo tiempo’ (2022)
Incluso dos décadas después de un siglo que ha sido nada si no disruptivo, sigue siendo una locura pensar que esta película gonzo y loca del dúo conocido como los Daniels en realidad se llevó a casa un Oscar, ¡mucho menos el gran premio de la Academia! No es que su historia de una madre y ama de casa dueña de una lavandería llamada Evelyn Wang ( haz una reverencia, Michelle Yeoh ), que descubre que es lo único que se interpone entre el colapso de la vida, los multiversos y todo, no merezca cada estatuilla que se llevó a casa. Es simplemente que, después de tantos años de que los premios a Mejor Película fueran para películas acartonadas, impasibles y/o totalmente seguras, el hecho de que la Academia reconociera lo unicornio que era esta mezcla de todo vale de absurdo de finales de los 90, cine de superhéroes del siglo XXI, locura de artes marciales, comedia surrealista y estudio de personajes al estilo Sundance dice mucho. Una cosa es un viaje descabellado por géneros que se convirtieron en mainstream y se apoderaron del espíritu de la época, pero permitirle entrar en los mismos lugares sagrados que Carros de Fuego , Gandhi y El Paciente Inglés fue un bienvenido paso adelante. (Puntos extra por dar inicio también al segundo espectáculo de Ke Huy Quan).
6 ‘Los infiltrados’ (2006)
Martin Scorsese cambia de mafiosos italoamericanos en Nueva York a gánsteres irlandeses-americanos en Boston, y te recuerda que se necesita más que un ligero cambio geográfico para desviarlo de su juego shakespeariano de drama criminal/comedia negra. Hay quienes te dirán que esta nueva versión del thriller de policías y delincuentes de Hong Kong, Infernal Affairs, recibió la estatuilla dorada para compensar las desconcertantes pérdidas del Oscar que nuestro mejor cineasta estadounidense vivo ha sufrido durante décadas (no nos hagas hablar de todo el asunto de Goodfellas vs. Dances With Wolves). No se equivocan, del todo. Pero esa teoría le da poca importancia a la reinvención de Scorsese de una historia de dos topos encubiertos —Leonardo DiCaprio es el policía que se ha infiltrado en la mafia de Jack Nicholson, Matt Damon está filtrando noticias del distrito a su patrón capo—. Esta es una película de Scorsese en todos los sentidos, desde las referencias cinematográficas hasta la energía explosiva y el énfasis en la traición, que ha sido una de las obsesiones del director desde el principio. También incluye algunos de los mejores trabajos de sus dos protagonistas, algunos papeles secundarios excelentes (¡Ray Winstone!¡Vera Farmiga! ¡Mark Fawkin’ Wahlberg!) y la última gran actuación de Jack. Y el final es perfecto. Ganó el gran premio por méritos propios, gente. Actúen en consecuencia.
5. ‘No es país para viejos’ (2007)
Joel y Ethan Coen tomaron lo que podría decirse que es la novela más floja de Cormac McCarthy y la convirtieron en un noir bronceado, con botín de cártel desaparecido, un héroe común y corriente, un viejo agente de la ley marchito y uno de los psicópatas más memorables que jamás hayan honrado una pantalla. La singularmente extraña interpretación de Javier Bardem como el asesino a sueldo Anton Chigurh es probablemente lo primero que te viene a la cabeza cuando piensas en esta ganadora a Mejor Película (su arma preferida, la pistola de ganado, y ese WTF peinado de paje son segundo y tercero, respectivamente), pero el thriller de los hermanos es mucho más que cortes de pelo poco convencionales y negocios nihilistas como siempre. Es una película de género engañosamente profunda, tanto un western del fin del imperio como una película policial; la forma en que el sheriff de Tommy Lee Jones se duplica como una conciencia moral o la manera cínica en que la criminalidad es un asunto corporativo detrás de la carnicería sugiere una puesta de sol en una versión romántica de la última frontera de Estados Unidos. Los Coen supieron perfectamente cómo potenciar la prosa gótica de McCarthy sin perder su poesía austera y elegíaca, y la pareja parecía una pareja perfecta incluso antes de que se abriera el último sobre de la Academia. Si esta no es una victoria merecida, lo será hasta que llegue la verdadera.
4. ‘Spotlight’ (2015)
Antes de que se llevara el Óscar a la Mejor Película , la gente se peleaba por calificar el drama del director y coguionista Tom McCarthy sobre la serie de revelaciones del Boston Globe sobre los encubrimientos de abusos sexuales por parte de la Iglesia Católica como la “nueva Todos los Hombres del Presidente“. En su momento, pareció un poco exagerada. Sin embargo, al verla de nuevo hoy, la comparación no podría ser más acertada. Este análisis paciente y sin florituras no se limita a profundizar en un escándalo “local” que se revelaría como parte de una epidemia global; al igual que su antecesor cinematográfico, también es una oda al cuarto poder que se niega a ser sentimental o sensiblera en un intento de ganar puntos de audiencia fáciles. Más importante aún, Spotlight destaca el arduo trabajo y la perseverancia que se requieren para que tales investigaciones se lleven a cabo, desde los obstáculos burocráticos hasta la reticencia inicial de la gente a declarar públicamente. El trío de reporteros interpretados por Mark Ruffalo, Rachel McAdams y Brian d’Arcy James no para de tocar puertas y seguir pistas, mientras el inquebrantable editor de Michael Keaton los anima constantemente. Puede resultar deprimente presenciar a estos héroes de pies a cabeza en una época en la que las redacciones bien financiadas y la ética editorial parecen más escasas que los avistamientos de cometas, pero esta es una de esas victorias en los Oscar que, como la propia película, parecen mejorar con el paso de los años.
3. ’12 años de esclavitud’ (2013)
Leer sobre “esa peculiar institución” de la esclavitud en los libros de historia es pensar en esta plaga que azota a nuestra nación como algo de un pasado muy lejano. Sin embargo, la adaptación del cineasta británico Steve McQueen de las memorias de Solomon Northup aborda el tema de una manera tan visceral y urgente que resulta imposible relegar los horrores de la vida esclavizada a un fenómeno de “érase una vez…”. Sigue siendo, para bien o para mal, el estándar para abordar la dramatización de la subyugación en los Estados Unidos del siglo XIX sin diluir el dolor, el terror o la sensación de ser arrebatado por la fuerza a la humanidad en la pantalla. La campaña “Es hora” que acompañó la marcha constante de la película hacia el podio de los Oscars puede parecer aún vergonzosa en retrospectiva, pero la extraordinaria e inmersiva obra de arte de McQueen, por no mencionar las actuaciones de Chiwetel Ejiofor, Lupita Nyong’o y Michael Fassbender, es más grande y significativa que un eslogan publicitario trillado. Esta sería una obra maestra incluso si los votantes de la Academia no la hubieran reconocido como la Mejor Película del año. Pero gracias a Dios que lo hicieron.
2. ‘Parasite’ (2019)
Una legión de críticos, asiduos al cine de autor y cinéfilos con amplio conocimiento internacional ya habían reconocido que la mordaz sátira social de Bong Joon Ho —sobre una familia de clase trabajadora que se infiltra lentamente en un hogar de clase alta y descubre cuán frágil es realmente el sueño de la movilidad ascendente— era una auténtica obra maestra antes de que la 92.ª edición de los Premios de la Academia anunciara sus nominaciones. Y los más cínicos asumimos que, aunque este hito del cine surcoreano se había alzado con los premios a Mejor Película Internacional y Mejor Director esa misma noche, ambas victorias podían considerarse victorias de “te queremos, pero no te salgas de tu tema”. (Dijimos que no íbamos a repetir las ceremonias, pero vale la pena recordar que Roma también ganó esos dos premios en 2018, pero en cuanto al máximo galardón, bueno… ya saben).
Así que cuando se abrió el último sobre y se leyó en voz alta el nombre de Parásitos, hubo más que solo el alivio de que al menos este año, los Oscars acertaran. Se sentía como si estuvieras viendo la historia en ciernes. Una película en un idioma diferente al inglés había superado las barreras —las mismas barreras culturales que continuamente frustran a quienes tenemos hábitos cinematográficos sin límites ni prejuicios contra los subtítulos— y se había convertido en el tipo de éxito cruzado que deleitaba a todos los grupos demográficos. Luego ganó un premio que aseguró que aún más gente la vería. De repente, sentías que los Oscar reconocían un mundo más allá de sus propias puertas de Tinseltown. Tal vez era un sueño que un Oscar para Parásitos haría que el llamado “otro” fuera un poco menos de otro mundo para los espectadores, y que haría que las películas parecieran un poco menos “locales” y mucho más globales para aquellos en la industria. Pero, ¿para qué sirven las películas, si no es para inspirarte a soñar?
1. ‘Moonlight’ (2016)
Olvídense del alboroto que se armó en torno al anuncio de la Mejor Película esa noche, un desastre que siempre será una nota al pie de página en ambas películas involucradas. (Ni esta película ni La La Land, la referencia de Damien Chazelle a los musicales de MGM de antaño, merecen ser asociadas con la confusión, el caos o la metedura de pata de alguien tras bambalinas). Recuerden, en cambio, los primeros momentos en que conocen a “Little”, la primera encarnación del protagonista en la singular descripción de Barry Jenkins de un niño llamado Chiron convirtiéndose en un hombre, paso a paso, con baches. Recuerden la amabilidad del personaje de Mahershala Ali, una figura paterna que le da a Chiron un modelo a seguir y también vende drogas a la madre del niño, porque cada persona en esta película contiene multitudes. Recuerden la intimidad entre el adolescente Chiron (interpretado por Ashton Sanders) y su mejor amigo, y los dos actos violentos que marcan el trágico segundo acto. Recuerda a Trevante Rhodes presentándonos a “Black”, también conocido como el Quirón adulto, y la expresión de su rostro al reencontrarse con su primer amor en un restaurante una década después. Recuerda cada color, desde los brillantes hasta los amoratados, de los paisajes de Florida, cada composición, cada corte. Recuerda esa penúltima toma, un merecido momento de sanación que te hace llorar sin importar cuántas veces lo hayas visto.
Luz de Luna sigue siendo un ejemplo clásico de cómo combinar todos los aspectos del cine para crear no solo una declaración personal, sino una experiencia absolutamente transformadora, y el punto culminante no solo de los ganadores del Óscar a Mejor Película, sino del cine estadounidense del siglo XXI en general. Una mirada poética a un joven negro que alcanza la madurez y se adapta al inestable mundo que lo rodea, esta obra de sonido e imagen anunció con razón a Jenkins como un artista importante . Sin embargo, también sugirió que los Óscar eran capaces de ampliar sus horizontes y de reconocer películas que no se ceñían necesariamente a los patrones tradicionales de los grandes proyectos de prestigio “importantes” que tan a menudo dominaban la temporada de premios en su conjunto. A primera vista, la mirada sensible, conmovedora, a veces angustiosa y a veces extática de Jenkins sobre una vida que no siempre recibe la atención que merece, no es el tipo de película que suele ganar los Óscar. Es simplemente el tipo de película que debería ganar los Óscar con más frecuencia. Y por una vez, cuando Jenkins finalmente subió a recoger su estatuilla a Mejor Película, se sintió que todo era posible. Uno sentía que la frase “Mejor Película” había sido más que ganada.
Fuente: Rollingstone